miércoles, 18 de diciembre de 2019


Federico Cantú 1907-1989

El Evangelio según San Juan



Entre 1957-58 Federico Cantú trabajo en los anteproyectos y la realización de los murales y vitrales de la capilla de los misioneros de Guadalupe, con una visión que solo se logra teniendo un amplio conocimiento de los temas bíblicos , ahí realizaría la serie de temas que a lo largo de la capilla dan forma y color a dicho recinto.
Curiosamente, en ninguna de las tantas publicaciones que dedicadas a la obra de Cantú , se describe la iconografía de la obra! Quizá la grandeza de
la crucifixión eclipso cualquier comentario! 
Los evangelistas 
Federico decide colocar a los cuatro evangelistas dispuestos en los cuatro puntos de la capilla , describiendo pictóricamente hablando, algún pasaje sobresaliente de cada uno de los evangelios.
La Pasión según San Juan 
Aquí Federico presenta el Cristo muerto recostado en un petate, con la idea de mostrar de una manera mas nacionalista dicha imagen . En esta obra podemos apreciar la figura de Juan que aparece escribiendo el evangelio y representado por una águila .


El Evangelio de Juan, también llamado Evangelio según san Juan o Evangelio según Juan es el cuarto de los evangelios canónicos constitutivos del Nuevo Testamento. Se caracteriza por las marcadas diferencias estilísticas y temáticas, como así también por las divergencias en su esquema cronológico y topográfico respecto de los otros tres, llamados evangelios sinópticos (Mateo, Marcos y Lucas).
El Evangelio de Juan no solo contiene muchos pasajes sin equivalente en los otros evangelios canónicos, sino que aun los pasajes con cierta similitud son presentados de forma totalmente diversa en cuanto al contenido, al lenguaje, a las expresiones y giros con que predica Jesús de Nazaret y a los lugares de su ministerio. La tradición apostólica atribuye la autoría de este evangelio a Juan el apóstol y evangelista aunque, dada la falta de unidad en su redacción final, el estilo y la fecha supuesta de redacción (en torno al año 90 d. C.), entre otros puntos, se cuestiona tanto la autoría en sí como sus alcances (redactor, comunidad responsable). Existe la posibilidad de que el Evangelio de Juan fuera fruto de la comunidad fundada alrededor de uno de los discípulos de Jesús, presentado en el evangelio con el título de «discípulo a quien Jesús amaba», seguramente la de Éfeso.
Entre las características del Evangelio de Juan, se acepta ampliamente la de ser un escrito para la meditación en el que sobresalen los discursos como forma de reflexión en torno a la figura de Jesús de Nazaret, a quien se presenta desde el prólogo como el Logos, la Palabra eterna de Dios. Es un evangelio sumamente simbólico y litúrgico, que enmarca el ministerio público de Jesús en la sucesión de festividades judías (entre ellas, la Pascua judía, la Fiesta de la dedicación o de las luminarias y la Fiesta de los tabernáculos o de las tiendas). Muchos estudiosos han visto en el Evangelio de Juan un carácter marcadamente místico.

Adolfo Cantú

domingo, 6 de octubre de 2019



FEDERICO CANTÚ 
(Cadereyta, Nuevo León, 1907 - Ciudad de México, 1989) 
Alacrán 
Firmada y fechada MCMXLIV 
Tinta y gouache sobre papel 
Agradecemos al Sr. Adolfo Cantú por la verificación de autenticidad y apoyo en la catalogación de esta obra, agosto del 2019.
Federico Cantú se instaló un tiempo en San Miguel Allende en 1942, donde entabló una fructífera amistad con el escritor estadounidense MacKinley Helm, a quien conoció durante su estancia en Nueva York. Entre los éxitos de Helm está "Modern Mexican Painter", libro conocido por contener una de las mejores introducciones al arte y artistas mexicanos de los movimientos artísticos de los años 20 y 30; también escribió otras dos grades obras "A Matter of Love" y "La vida del Pipila", ambos libros ilustrados por Federico Cantú. "Alacrán" es un dibujo que forma parte de este último libro de Helm, el cual incluía aproximadamente 20 dibujos del Maestro Federico Cantú, todos ellos toman como eje temático la vida del Pípila en torno a la Independencia.
30.5 x 26 cm




sábado, 14 de septiembre de 2019





Madona 1928 & La Epifanía 1942
Federico Cantú 1907-1989
Federico y su obra sacra
La inclinación religiosa de Federico Cantú surge dentro de su obra a partir de su estancia en el Paris de los años 20, bocetos en cuadernos de trabajo llevados primeramente a trabajos de caballete pronto se convierten en obras murales que acompañaran la narrativa del artista durante toda su trayectoria , quizá como bien lo expresaba el propio Cantú , su pincel esta poseído por la mano de Dios quien constantemente lo guía como fueron guiados todos los maestros del Renacimiento Italiano
Del libro del apocalipsis
«El Cordero que fue inmolado es digno de tomar el poder, las riquezas, la sabiduría, la fortaleza, la honra, la gloria y la alabanza»
(Apocalipsis 5:6, 7:14, 13:8, etcétera). Pero sería correcto decir también que esta imagen es absolutamente central en toda la teología cristiana: el cordero ha sido una de las imágenes simbólicas centrales de la religión cristiana desde los primeros siglos de su existencia; la idea del cordero sin mancha, sacrificado por los pecados de los hombres ha sido uno de los leitmotivs (motivos) del cristianismo a través de su historia. De acuerdo con esto, uno podría esperar que las páginas del Nuevo Testamento estén llenas del imaginario del cordero, pero es bastante sorprendente, que aparte del libro de Apocalipsis, casi no encontremos esta imagen aquí. No la encontramos en las epístolas de Pablo, los primeros escritos del Nuevo Testamento;
Esto ocurre en el primer capítulo del Evangelio de Juan donde Juan el Bautista pronuncia esta enigmática exclamación: «He aquí el cordero de Dios, que quita los pecados del mundo».
El cordero de la Aqeda
Vayamos a los Tanajin, la palabra hebrea para cordero raramente aparece. Sin embargo, no es díficil adivinar dónde encontramos la palabra «cordero» por primera vez. Por supuesto, la primera cita se encuentra en Génesis 22, en la Aqedat Itzjak: Cuando Isaac es conducido a la montaña por su padre, le pregunta a Abraham: «He aquí el fuego y la leña; mas ¿dónde está el cordero para el holocausto?» en el libro de Apocalipsis, comienza aquí—, con la inocente, confiada y casi ingenua pregunta de Isaac: «¿dónde está el cordero para el holocausto?»
el Midrash explícitamente declara que Abraham ofreció dos sacrificios, comenzó con el sacrificio de su hijo y terminó con el sacrificio del carnero, y con esta tradición, se dice explícitamente que Isaac es el cordero de la ofrenda quemada: 
אתההשהלעלהבני” -«Tú eres el cordero, mi hijo»
la imagen cristiana del cordero, cuya muerte y resurrección tienen un poder expiatorio y un efecto redentor en nombre de las generaciones futuras, está claramente relacionada con este sacrifício de Isaac (Aqedat Itzjak) en la tradición judía. La próxima vez continuaremos discutiendo esta conexión.
Julia Blum- Israel Institute of Biblical Studies
En 1530, fray Juan de Zumárraga, primer obispo de la Nueva España, expidió una ordenanza para celebrar una “Farsa de la Natividad Gozosa de Nuestro Salvador”. A partir de estos principios, se han escrito entremeses y coloquios, inicialmente por los franciscanos que fueron los primeros en llegar a tierras novohispanas. Un poco más tarde le siguieron otras órdenes religiosas. Posteriormente, con los autores laicos, las pastorelas navideñas se alejaron de su contenido religioso para adquirir un carácter más popular de la Navidad en México, que refleja costumbres y formas de vida de las clases sociales, y se dieron también versiones locales.
El argumento básico de una pastorela consiste en que unos pastores intentan ir a Belén para adorar al Niño Dios recién nacido, pero un grupo de diablos pone toda clase de obstáculos en su camino para impedirlo. Al final vence el bien, Lucifer es derrotado por San Miguel o por un “ángel”, y los pastores entregan regalos para el Santo Niño, lo arrullan y le cantan villancicos. Todos los asistentes besan al Niño y con la tonada de la despedida se termina la actuación.
Los personajes en las pastorelas son pastores, diablos, ángeles, arcángeles y un ermitaño. Frecuentemente hay otros protagonistas adicionales como indios, rancheros, un monje y otros. Aunque la Virgen María, San José y el Niño Jesús suelen estar presentes como figuras del Nacimiento, en algunas pastorelas son personas quienes los caracterizan, pero no forman parte en el diálogo, como pasaba en el “Auto de la Adoración de los Reyes Magos”.
El poeta tabasqueño Carlos Pellicer describió la representación del Nacimiento de la siguiente manera: “Y en una gruta, bajo el cielo de Navidad, arregló el pesebre, colocó el buey y el asno; sobre el pesebre, puso el ara en la cual un sacerdote operó el ritual de la misma, cuyo valor histórico, plásticamente hablando, no tiene par”.
En 1928 Cantú se instalaba en Los Ángeles California con la idea de tener un receso de lo vivido en Paris y con la idea de preparar una serie de exposiciones. Muy pronto ahí surge la oportunidad de pintar lo que seria su primera obra mural en la parroquia de Pasadena California, donde estará descrita en una serie de paneles representando la pasión , dentro de la composición esta representada la música sacra con un quinteto de ángeles músicos .
Ya en 1937 Federico decide mudar su atelier a Nueva York para exponer en los mas importantes museos de America : MOMA , Metropolitan Museum, Santa Bárbara Museum, Philadelphia Museum of Art , Art Club Chicago….. y es en este periodo donde Federico se rencontrara con todos estos maestros que había frecuentado en Montparnasse y que la segunda gran guerra habría de incluirlos dentro de ese gran éxodo que cambiaria el mundo en todos los sentidos .
Madona 1928 y La Epifanía 1942 son muestra del conocimiento bíblico que Federico cultivara durante toda su trayectoria ,
dos grandes liensos, dentro del gran legado del maestro del arte sacro, obras que se convertirán en testimonio de un lenguaje propio que le permitirá lograr un lugar en el Museo Vaticano 


Adolfo Cantú
CYDT Collection 


martes, 3 de septiembre de 2019

70 Aniversario del Salón de la Plástica Mexicana                          Septiembre 5                Salón de Pintura     CYDT

Como parte de las actividades por el 70 Aniversario del Salón de la Plástica Mexicana, presentamos la exposición 
Salón de Pintura . Con esta retrospectiva organizada por el Instituto Nacional de Bellas Artes y para rendir homenaje a los maestros fundadores y maestros contemporáneas 
Mas de 250 obras de caballete, se presentan de manera simultanea en todas las salas este próximo jueves 5 de septiembre del presente.
Para la colección de Arte Cantú Y de Teresa es un honor el poder colaborar en dicho proyecto de aniversario incluyendo obras de maestros como : Guerrero Galván , Federico Cantú, , Manuel Echauri, Guillermo Meza  cuatro de los maestros fundadores y tres aun anteriores a la transición que nos llevo a la ruptura : Gloria Calero y Enrique Reyes y Benito Messeguere ambos tres  pertenecientes a la segunda generación e maestros del Salón. Todos ellos incluidos dentro de nuestra colección de arte cydt.  Dicha muestra nos permitirá reflexionar en trono a las tendencias, estilos y modas que a lo largo de siete décadas han marcado nuestra historia del arte.


Adolfo Cantú
Art Consultant & Specialist 

sábado, 31 de agosto de 2019

Federico Cantú 1907-1989


The Declaration of Independence of the Mexican Empire (Spanish: Acta de Independencia del Imperio Mexicano) is the document by which the Mexican Empire declared independence from the Spanish Empire. This founding document of the Mexican nation was drafted in the National Palace in Mexico City on September 28, 1821
On September 27, 1821, eleven years and eleven days after the Grito de Dolores, the Army of the Three Guarantees headed by Agustín de Iturbide entered Mexico City, concluding the Mexican War of Independence.

CYDT Collection

sábado, 6 de julio de 2019

La obra de Federico Cantú Garza 1907-1989


Se encuentra inmersa desde sus inicios en la iconografía sacra: Personajes, diseños escultóricos y gráficos al igual que arquitectónico nos hacen pensar  en el legado cultural europea,  todo un universo iconográfico que va desde el grabado, escultura pintura y obra mural. Por ello desde una cabeza de ángel donde se ve en el marco de la escuela de Fontainebleau, que marca uno de picos del renacimiento francés, porque asi es la estética que marca la obra de Federico . Sin embargo y no lejano a la idea profana, Cantú retomó su gusto por una mitología graciosa y sensual, heredada de los italianos, incluidas las experiencias de Mantán de Julio Romain y el absoluto de la galería de Ulysse de Rosso Fiorentino y Primatice.
La técnica brillante y vaporosa recuerda el arte de Nicolò del l'Abbate, alimentado por Correggio y Parmesan, invitado a Francia desde 1552, al servicio del rey Enrique II, para ayudar a Primatice.
Cantú tendría la fortuna de poder vivir las vanguardias , su biografía le permitió vivir en Paris durante una década y otra mas en intervalos en Estados Unidos , sin embargo a partir de 1942 se instalo por siempre en el Valle de México ,viajando solo por encargos a el sureste y al noreste de México.

Las imágenes que conforman esta nota, si bien podemos enmarcarlas en el caudal de vivencias que dan forma a la obra del maestro Cantú, pero no sin tomar en cuenta que durante mas de una década tendría un Atelier en el centro de la Ciudad de México. 
Fue en los 50s cuando se instalo en el Atelier de la Profesa en la calle de Isabel la Católica , en un México que hoy parece distante pero que nos recuerda los centros de mayor desarrollo del barroco en México, que fueron: México DF y Puebla. Donde  la arquitectura fue la disciplina que mayor importancia cobró con respecto a otras artes. A diferencia del barroco europea   que se desarrolló entre 1600 y 1750, el barroco mexicano rompe con esta delimitación y se sitúa entre el siglo XVII y principios del siglo XIX.
En la arquitectura barroca mexicana se multiplican y realzan las formas de los arcos, los frontones son abundantes y las molduras se realzan. La columna es exuberantemente ornamentada y se decoran todos los entrepaños. Las líneas se rompen hasta el infinito, y la talla y la escultura se convierten en elementos decorativos.


Federico en la Profesa



Desde los años 30 Federico se vio interesado por lograr tener un Atelier en el centro de la Ciudad de México, pasando la segunda mitad de esa década y entusiasmado con la idea de triunfar en Nueva York salió de México con la idea de ganar dinero a manos llenas para poder construir su Atelier  , esta idea se vera pospuesta por mas de una década, no es sino a fines de los 40s y con una dinámica creciente de obra por encargo cuando por fin Cantú instala su atelier frente a la Iglesia de la Profesa

La Profesa es el nombre popular con que se conoce a un templo católico barroco del siglo XVIII  ubicado en la esquina de Madero e Isabel la Católica, Su nombre oficial es Oratorio de San Felipe Neri
Era originalmente parte de un conjunto arquitectónico conocido como casa Profesa, donde residían sacerdotes jesuitas que habían emitido, además de los votos religiosos comunes de pobreza, castidad y obediencia, un cuarto voto de "particular obediencia al Papa en cuanto a misiones se refiere". A estos presbíteros se les llama profesos en el derecho interno de la Compañía de Jesús. La primera iglesia fue inaugurada en 1610. El templo actual, que sustituyó al primero, consta de tres naves y fue edificado en estilo barroco según diseño de Pedro de Arrieta  ,  entre 1714 y 1720  , y financiado por el Márquez de Villa Puente de la Peña y su esposa la Marquesa de las Torres de Rada.  
En 1767 , con la expulsión de la compañía de Jesús de los dominio españoles , La Profesa fue entregada a la Congregación del Oratorio de San Felipe Neri - padres filipenses.

Su diseño trata en cada uno de los salientes verticales y rectangulares dispuestos a intervalos regulares que coronan los muros perimetrales decorados con piedra volcánica  en un tratamiento "barocco", "perla de forma diferente o irregular", que se utilizó en un primer momento de forma despectiva para indicar la falta de regularidad y orden del nuevo estilo. La característica principal de la arquitectura barroca fue la utilización de composiciones basadas en puntos.
El nuevo estilo se desarrolló en Roma y alcanzó su momento álgido entre 1630 y 1670  ; a partir de entonces el Barroco se extendió por el resto de Italia y de Europa 


La influencia del Barroco no se limitó al siglo XVII : a principios del siglo XVIII se desarrolló el estilo denominado Rococó,  que no siendo una pura continuación del primero podría ser considerado como la última fase del Barroco.


Justo en ese punto y con esta gran vista Cantú se adentra en un sinnúmero de obras donde juega con los estilos , mitos e historias. Ya a finales de los años 60s y con la compra del atelier de Monasterio en la calle de nube en San Jerónimo Lídice,  Federico hace una gran recoleccion de obra hasta entonces acumulada en el atelier del centro , con ello quedara atrás por siempre todo lo logrado en ese atelier ,dando un giro con ello a una nueva época que lo consumirá durante las dos décadas restante de su vida.

Sin embargo y a manera de reconocimiento tácito su obra siempre guardara reminiscencias arquitectónicas de la iglesia de la Profesa .




1 Mona Casandra con acueducto
Oleo sobre lino
Colección de Fideicomiso Casa Museo Federico & Elsa

2 Diosa de la fortuna
Oleo sobre tabla
Colección de Fideicomiso Casa Museo Federico & Elsa

3 San Miguel
Oleo sobre tela
Colección de Arte Cantú Y de Teresa

4 Mona Casandra 
Oleo sobre Madera



Colección de Arte Cantú Y de Teresa

5 Federico Cantú – en el Atelier de la Profesa 
Fotografía
Colección de Arte Cantú Y de Teresa

6 Ángel Cariátide 
 Escultura en bronce 
Colección de Arte Cantú Y de Teresa

6B Orfeo 
 Grabado buril
Colección de Arte Cantú Y de Teresa

7 Madona y ángeles músicos 
 tinta preparatoria para grabado buril
Colección de Arte Cantú Y de Teresa

8 Monograma- Autorretrato 
 Mixta papel
Colección de Arte Cantú Y de Teresa

9 La profesa 
 Mixta sobre tabla
Colección particular

10 Federico Cantú – en el Atelier de la Profesa 
Fotografía
Colección de Arte Cantú Y de Teresa

11 Vista de la Profesa 
Fotografía
Colección de Arte Cantú Y de Teresa

12 Cristo muerto
Oleo sobre lino
Colección de Fideicomiso Casa Museo Federico & Elsa

13 Mona Casandra 
Monotipia
Colección de Arte Cantú Y de Teresa

14 Fortuna – Atenea-Flechador del sol
Oleo sobre madera
Colección de Fideicomiso Casa Museo Federico & Elsa

15 Diosa de la fortuna 
Grafica papel
Colección de Arte Cantú Y de Teresa

16 Relieve Escultórico fortuna 
Escultura
Colección de Arte Cantú Y de Teresa

17 Doble Melancolía 
Grafica papel
Colección de Arte Cantú Y de Teresa

18 Mural Los Informantes de Sahagún – Pinacoteca Virreinal  
Fotografía 
Colección de Arte Cantú Y de Teresa

19 Mural Los Informantes de Sahagún – Pinacoteca Virreinal  
Fotografía 
Colección de Arte Cantú Y de Teresa

20 Mona Casandra
Oleo sobre madera
Colección de Arte Cantú Y de Teresa

21 Tenochtitlan 
 Proyecto Mural 
Colección de Arte Cantú Y de Teresa

22 Jardín Casa Federico- Remates originales de la Profesa 
Fotografía 
Colección de Arte Cantú Y de Teresa





Adolfo Cantú
CYDT - 2019

domingo, 12 de mayo de 2019

El ARTE trata de expresar los atributos inagotables que constituyen una idea,
es la idea intuida y presentada en una figura sensible, es el primero de
 los modos en que la idea retorna y se recoge como espíritu.

El Arte se ocupa de lo real y de lo cotidiano;esto es, de lo maravilloso
Y de cómo combaten los planetas con las libélulas.

Luis Cardoza y Aragón




En el atelier Cantú Y de Teresa
La tradición grafica es un disciplina centenaria , con la invención de la prensa , Gutenberg abre un horizonte que detonara el conocimiento, dentro de esta dinámica, con el pasar de los siglos la técnica del buril se expandió en toda Europa dando forma a grandes escuelas de artistas que aun hoy son toque de piedra de este genero, con la aparición de la fotografía la disciplina se fue desprendiendo de la dualidad que estructuraba las grande obras de los pasados siglos , sin embargo, al igual que la impresión litográfica , el grabado se incorporaría como otra de las disciplinas del arte .


Adolfo Cantú 



Colección Cantú Y de Teresa
Colección de Arte Fideicomiso Casa Museo Federico & Elsa
Copyright © 1989-2019

lunes, 15 de abril de 2019

Federico Cantú 1907-1989
Les Années folles commencent en 1920 et se terminent en 1929 avec le début de la Grande Dépression.
À Paris, pendant la Première Guerre mondiale, la population n'a pas perdu l'art de s'amuser. On fit la fête au début pour se moquer de l'ennemi et se donner du courage : il allait prendre une belle raclée qui laverait l'affront de 1870 et ferait oublier la honte de l'affaire Dreyfus pour l'armée française disait-on. On poursuivit la fête ensuite, pour distraire les permissionnaires. Puis, quand trop d'horreurs eurent enlevé aux « poilus » l'envie de rire, la fête continua pour se consoler.
Après la fin du conflit, une génération nouvelle rêve d'un monde nouveau et proclame « Plus jamais ça ! ». On s'empresse de lui proposer de nouvelles griseries sur fond de musique. Venu d'Amérique avec les Alliés, le jazz fait son apparition mais également la danse, la radio et les sports, les industries avec les électroménagers etc, sur fond de très forte croissance économique...
L'utopie positiviste du xixe siècle et son crédo progressiste font place à un individualisme déchaîné et extravagant. André Gide et Marcel Proust donnent le ton littéraire de cette tendance qui s'exacerbe et croît avec le mouvement dada dont Tristan Tzara publie le manifeste. Le surréalisme d'André Breton n'est pas loin. L'Art nouveau foisonnant, fauché par la guerre, cède la place aux épures précieuses de l'Art déco.
Durant les Années folles, Montparnasse et Montmartre sont sans conteste les lieux de Paris les plus célèbres et les plus fréquentés, abritant ses prestigieux cafés tel la Coupole, le Dôme, la Rotonde et la Closerie des Lilas ou les salons comme celui de Gertrude Stein rue de Fleurus.
Montmartre, tout d'abord, constitue l'un des centres majeurs de ces lieux de rencontre entre ces intellectuels. Le quartier présente un aspect de modernité avec l'existence de trompettistes comme Arthur Briggs qui se produit à l'Abbaye. Mais pour l'écrivain américain Henry Miller comme beaucoup d'autres étrangers d'ailleurs, le carrefour Vavin-Raspail-Montparnasse est selon ses propres mots « le nombril du monde ». Il y est d'ailleurs venu écrire sa série des Tropiques.
À Paris, c'est plus précisément la rive gauche de la Seine qui est principalement concernée par les arts et les lettres, et tout cela se confirme durant les années 1920. En témoignent d'ailleurs la forte concentration de créateurs qui se sont installés au sein de la capitale française et qui occupent les places du cabaret Le Bœuf sur le toit ou les grandes brasseries de Montparnasse. Les écrivains américains de la « Génération perdue », à savoir notamment Scott Fitzgerald, Henry Miller et Ernest Hemingway, y côtoient les exilés qui ont fui les dictatures méditerranéennes et balkaniques. Il y a enfin les peintres qui forment ce que l'on appellera par la suite « l'École de Paris »


sábado, 30 de marzo de 2019

Atelier     Federico Cantú 1907-1989

En la historia del arte nos topamos constantemente con un sinnúmero de problemas de interpretación que nos conducen muchas veces a faltas que crean un vacío histórico.
Lo peor es cuando sin sentido se imprimen los errores en publicaciones que resultan la única fuente de consulta, resultando de ello un laberinto impropio para el presente y el futuro .
Aun hoy en pleno siglo XXI se requiere de un buen oficio de análisis para entender una obra , de un conocimiento pleno de la técnica de la temática y por supuesto de la narrativa histórica , pues sin estos elementos nuestra interpretación o análisis navegaría en la ambigüedad , de ahí a que cualquier investigador poco le podría aportar esta fotografía
Por ello los elementos paralelos de consulta como lo son : descripción o apuntes de autor , titulo o las fotografías mismas que nos describan la escena y el mobiliario o un paisaje , la buena critica , las prensa , los archivos , la correspondencia , un buen inventario o un simple sello postal …..en fin todo un conjunto de elementos que en suma nos pueden servir de mucha ayuda.
Es ahí donde una fotografía nos permite detener por siempre un lugar que resguardara un gran archivo creativo de mas de tres décadas
que sin duda tiene una importancia descomunal para el artista y su obra.
Por ello la suma de objetos de arte comprendidos en una masa hereditaria es en conjunto que podemos traducir como un motivo de vida que narra el mapa genético del pensamiento del autor , mismo que requiere de un cuidado tanto o mas que su legado, por ello cuando desparece una obra , una publicación un texto narrativo vinculatorio , estamos sin duda perdiendo parte de la esencia de una creación .
Y mas aun , si bien sabemos que se trataba de un recinto por el cual el artista lucho
En su adquisición , cuido y procuro tanto como los momentos de vida, sumando muchas horas de trabajo , de ahí la importancia de la fotografía que detiene el tiempo para ayudar a nuestra imaginación a recordar un momento y un lugar ahora ya inexistente
La imagen que presentamos nos permite adentrarnos al sentir de Federico
Una pequeña esquina dentro de uno de su Atelier, en San Jerónimo Lidice
Aquel donde desarrollo un caudal de obras de grabado , escultura monumental y pintura al oleo . Construido primeramente por Luis Ortiz Monasterio y re transformado por Cantú durante la década de los 70s .
Partiendo de esta imagen podemos crear una narrativa recordando como es ahí donde pinta obras como:
Arlequín triste, Madona yacente, Metamorfosis de Daphne , Tritón , Paisaje de San Jerónimo , Palas Atenea , Leda y el Cisne ……….
Adolfo Cantú
CYDT Collection .

martes, 19 de marzo de 2019

The name "Iztaccíhuatl" is Nahuatl for "White woman", reflecting the four individual snow-capped peaks which depict the head, chest, knees and feet of a sleeping female when seen from east or west.
Iztaccíhuatl is to the north of Popocatépetl, to which it is connected by the high altitude Paso de Cortés. Depending on atmospheric conditions Iztaccíhuatl is visible much of the year from Mexico City some 70 km (43 mi) to the northwest.
The first recorded ascent was made in 1889, though archaeological evidence suggests the Aztecs and previous cultures climbed it previously. It is the lowest peak containing permanent snow and glaciers in Mexico.
Popocatépetl (Spanish pronunciation: [popokaˈtepetl] (About this soundlisten); Nahuatl: Popōcatepētl [popoːkaˈtepeːt͡ɬ] (About this soundlisten)) is an active stratovolcano, located in the states of Puebla and Morelos, in Central Mexico, and lies in the eastern half of the Trans-Mexican volcanic belt. At 5,426 m (17,802 ft)
it is the second highest peak in Mexico, after Citlaltépetl (Pico de Orizaba) at 5,636 m (18,491 ft).
It is linked to the Iztaccihuatl volcano to the north by the high saddle known as the Paso de Cortés.



Popocatépetl is 70 km (43 mi) southeast of Mexico City, from where it can be seen regularly, depending on atmospheric conditions. Until recently, the volcano was one of three tall peaks in Mexico to contain glaciers, the others being Iztaccihuatl and Pico de Orizaba. In the 1990s, the glaciers such as Glaciar Norte (North Glacier) greatly decreased in size, partly due to warmer temperatures but largely due to increased volcanic activity. By early 2001, Popocatépetl's glaciers were gone; ice remained on the volcano, but no longer displayed the characteristic features of glaciers such as crevasses.
Lava erupting from Popocatépetl has historically been predominantly andesitic, but it has also erupted large volumes of dacite. Magma produced in the current cycle of activity tends to be a mixture of the two.

domingo, 3 de marzo de 2019


Born in 1907 in Cadereyta de Jimenez Nuevo León , Federico Cantú was a prodigious talent who as a youngster barely fourteen years of age, set off on an artistic path. He enrolled in Alfredo Ramos Martínezs newly established experimental school in Coyoacán, Mexico City in 1922. There, he absorbed his teachers impressionistic lessons. Not soon after, the young man found work as assistant to Diego Rivera newly arrived from years in Europe and about to unleash an extravagant mural project that changed the capital city and propelled the careers of numerous artists. 

Cantú lived the bohemian of Paris for a decade (1924-1934)



living in Paris Cantú moves to California to have his first big exhibition works like
Madonnas and Virgins become a constant theme in the work of Cantú. He had painted them since his days at Escuelaal Aire Libre de Coyoacán. However, this devotion to sacred art is seen to gradually increase in his work, so that in 1928 Cantú paints his first mural in Pasadena, where he includes the figure of the Cristo Negro, but also in the manner of votive paintings, in which he painted the Madonna, as well as the Descanso en la Huida a Egiptowhere the Virgin and Child are the central figures. The series of ink drawings in the Cantús Sketchbook already narrate the themes of this biblical labyrinth.
 There exists a duality in the young artist’s thoughts on women, which on the one hand constitute a symbol of fertility and eroticism
Federico Cantú said of his arrival in Paris in 1930: "on my return to Montparnasse, I found that my atelier had been rented and the works sold to the highest bidder. I must have lost 


domingo, 24 de febrero de 2019

domingo, 17 de febrero de 2019

ÉDITION ORIGINALE du PREMIER LIVRE d’Apollinaire, de Derain illustrateur et de Kahnweiler éditeur. 
Entrepris dès 1898, l’ouvrage connut deux versions : l’une publiée en 1904 dans Le Festin d’Ésope, revue fondée par l’auteur ; la seconde, après avoir été remaniée, fit l’objet de cette publication.
Dans cette première œuvre, on retrouve les thèmes essentiels du poète cubiste : impossibilité de l’amour, obsession du temps, quête de l’identité et exaltation de la création poétique. Elle est au cœur de sa production. Le dernier chapitre « Onirocritique » apparaît comme le prélude du surréalisme. 
Premier pas du peintre de Chatou dans l’univers du livre illustré.
Derain se mit au travail en juillet 1909, et l’acheva en septembre. Le livre comporte 32 bois gravés dont 12 hors-texte.
Ces gravures informelles, d’esprit fauve, ont été traduites assez librement, recherchant davantage un enrichissement du texte qu’une paraphrase. François Chapon évoque ici l’art des résonances. 



Intronisation de Kahnweiler en tant qu’éditeur.
C’est la première d’une série de publications qui marqueront de leur empreinte le monde du livre illustré au XXesiècle. Novateurs, ces livres obéissent à une politique d’édition très stricte : texte en édition originale, tirage restreint, modestie du format, absence de légende pour les planches et de pagination, parti pris du noir... 
L’un des 75 exemplaires sur papier vergé fort à la forme des Papeteries d’Arches. 
L’une des plus spectaculaires reliures à lames d’ébène articulées de Jean de Gonet. La technique de la lame articulée a été développée par ce dernier à partir de 1981. 
L’exemplaire a été placé dans une boîte à rabats, à dos de box, titrée au palladium. Édition limitée à 106 exemplaires numérotés, signés par l’auteur et l’artiste. DIMENSIONS : 258 x 198 mm. 
€25,000–35,000 $29,000–40,000 - £22,000–31,000 
Peyré, Peinture et poésie, pp. 107-108 ; [...], From Manet to Hockney, Victoria & Albert Museum, 26 ; Johnson, Artists’ Books in the Modern Era, 1870-2000,14 ; Pernoud, L’Estampe des Fauves, pp. 79-84 ; [...], André Derain, Musée d’Art moderne de la ville de Paris, p. 380 (« Ces gravures sont un adieu au fauvisme ») ; Coron, Jean de Gonet relieur, 2013, n° 29 (jusqu’en 2010, environ soixante-dix reliures à lames articulées ont été créées par le relieur...) et n° 95 (« les reliures à lames articulées, peu nombreuses au début des années 1990, reviennent en nombre – on en compte 28 – de 1997 à la fermeture de l’atelier »). 


Le Bestiaire ou cortège d’Orphée.Paris, Deplanche, 1911, in-4°, maroquin naturel, plats mosaïqués de veau noir et bleu à motifs de feuilles, de feurs et de papillons, décor se prolongeant au dos, doublure et gardes en daim noir, couverture de vélin, tranches dorées, chemise et étui gainés de maroquin havane (Creuzevault).




ÉDITION ORIGINALE. 
Suite de trente poèmes, quatrains et quintils, dont quinze avaient été publiés en juin 1908 dans La Phalange. En août 1910, Guillaume Apollinaire (1880-1918) adressa à Raoul Dufy (1877-1953) les 15 autres. 
Picasso avait été pressenti par le poète pour illustrer son Bestiaire, mais ce dernier ne manifestant qu’un enthousiasme modéré dans son travail – fn 1907, seuls deux bois avaient été gravés (« Le Poussin » et « L’Aigle ») –, Apollinaire porta alors son choix sur Dufy.
« C’est Apollinaire qui m’entraîna dans l’aventure du Bestiaire qui devait, selon lui, nous apporter gloire et richesse ! C'était en 1909 » (Raoul Dufy, Plaisir du bibliophile, n° 7, 1926, propos recueillis par P. Istel). 
En Deplanche ils trouvèrent leur éditeur ; Gauthier-Villars, l’oncle de Willy, fut choisi comme imprimeur ; le tirage se ft sous la responsabilité de l’excellent pressier Lefèvre. Dufy surveilla l’impression de la première à la dernière feuille. 
Le 11 mars 1911, l’ouvrage parut. Le succès escompté tarda à venir. Ne parvenant à vendre qu’une vingtaine d’exemplaires, Deplanche céda le restant au libraire antiquaire Chevrel. 
39 bois originaux de Raoul Dufy (1877-1953).
Gravés à la Villa Médicis libre ainsi que dans son atelier rue Linné, ces emblèmes animaliers, fruits d’une étroite collaboration entre le peintre et le poète, ce dernier intervenant directement dans la composition des bois, suscitèrent les louanges d’Apollinaire.
« Ces bois témoignent d’une grande sûreté de métier, ils sont traités d’une manière large où les détails qui ne sont jamais évités ne deviennent pas des minuties. » 
€25,000–35,000 $29,000–40,000 - £22,000–31,000 
Par ce cycle iconographique empreint d’imagerie populaire, Dufy a introduit une notion décorative dans le bois fauve.
Sensible à cette suite d’images, Paul Poiret suggéra au peintre de transposer les motifs du Bestiaire pour des décors de tissus et de tentures ; il travailla également d’après cette veine pour le soyeux lyonnais Bianchini. 
L’un des 91 exemplaires sur papier de Hollande ; celui-ci est signé à la plume par Apollinaire et Dufy. 
Intéressante reliure à mosaïque non sertie d’Henri Creuzevault (1905-1971).
Elle appartient à la série qu’il réalisa à partir de 1950 sur le Bufon de Picasso, L’Enchanteur pourrissant d’Apollinaire ou Les Lettres portugaises illustrées par Matisse...
Certaines d’entre elles furent exposées à la Bibliothèque nationale en 1953.
Celle-ci a échappé au travail de recensement de Colette Creuzevault. 
Exemplaire très bien conservé.
Discrètes rousseurs aux premiers feuillets de garde. 
Édition limitée à 122 exemplaires numérotés, signés à la plume par Apollinaire et Dufy. DIMENSIONS : 320 x 245 mm.
PROVENANCE : Jacques Fougerolle. 
Peyré, Peinture et poésie. Le dialogue par le livre, p. 108 ; Pernoud, L’Estampe des Fauves, pp. 84-94 ; Tourlonnais – Vidal, Raoul Dufy, l’œuvre en soie, pp. 22-27 ; [...], From Manet to Hockney, Victoria & Albert Museum, 27 ; Castelman, A Century of Artists Books, p. 119.